Zigzag & other Ws
El deseo de combinar arte y vida ha tenido una tradición continua al menos desde el modernismo clásico. Fue particularmente cultivada por la vanguardia de la posguerra: en la década de 1960, la idea de la obra de arte abierta se estableció en el sentido de activar al espectador y completar la obra al involucrar a la audiencia en el arte multimedia y los happenings. Joseph Beuys desarrolló la idea de la escultura social en ese momento para crear un espacio en el que pudiera tener lugar la participación. Con el cambio de milenio, esta idea de integrar arte y vida fue llevada más allá por el principio de la “estética relacional”.
Las obras de Ana Navas establecen el marco en el que se puede pensar aún más la conexión entre arte y vida. En su trabajo, no parte de la idea de la obra de arte original, sino que explora las constantes transformaciones de ideas estéticas, formas e imágenes. El arte y la vida no se encuentran principalmente en la finalización de la obra a través de la participación del espectador, sino en el más allá de las obras de arte, a través de la apropiación y traducción de los lenguajes formales y visuales que impregnan nuestra vida cotidiana. Navas observa estas transformaciones, las aprovecha y, en última instancia, se involucra en ellas ella misma. Señala el canibalismo de imágenes y formas, la incorporación y recomposición de signos estéticos del reservorio de la modernidad. Así, en su universo estético, los artículos para el hogar producidos en masa se encuentran con los objetos hechos a mano, el vocabulario formal modernista se encuentra con los materiales mundanos, las técnicas de DIY se encuentran con la pintura al óleo. Al unir estas diferentes dimensiones, cuestiona la relación entre el arte y la vida cotidiana, el diseño y la escultura, e incluso entre el original y la copia, de una manera precisa y humorística.
La obra Una fuente iluminada por luces de colores recuerda no solo a la fuente colorida nombrada en el título, sino también a un órgano sexual femenino, o tal vez incluso a un objeto de culto espiritualmente exagerado. Las formas visuales que cubren la tela, a su vez, allanan el camino hacia el modernismo europeo, ya que hacen referencia directa al lenguaje visual icónico de Sonia Delaunay: no solo cubrió lienzos con sus característicos círculos de colores, sino que incluso los transfirió a la moda y a muebles. Para la obra, Ana Navas utilizó una tela de producción industrial sobre la que se imprimió un patrón al estilo de Delaunay e imitó este mismo patrón mediante intervenciones pictóricas directamente sobre la tela -una copia de la copia. El uso de la mano de la artista aquí no debe entenderse en el sentido del genio pictórico a menudo atribuido a la mano de los artistas, sino como otro acto de traducción: el retorno de las formas a la materialidad en la que alguna vez se desarrollaron. La propia artista describió este proceso de la siguiente manera: “La secuencia de este se describe en mis notas como: trabajo manual / imitación industrial del primero / trabajo manual de mi autoría imitando el segundo”.
Estos objetos, presentados en la pared, son a la vez cerca y lejos de nosotros, ofrecen puntos de conexión para nuestra memoria colectiva y, al mismo tiempo, se niegan a ser clasificados en categorías. Son a la vez cosas, pinturas, instalaciones, trazos y seres, en los que las esferas se superponen, los significados y los contextos se entrelazan y cambian constantemente en la contemplación. Muestran el juego de la artista con las referencias, con los materiales, con el mimetismo y la transformación, y también con la utilidad: los objetos no solo unen contextos sino que también son aplicables de diversas formas. Los textiles se basan en objetos que, si no estuvieran colgados en la pared, podrían cubrir completamente como un traje y convertirse así en envoltorios.
Otro grupo de obras incluye piezas como El camino del taller al parque, que recuerdan a las pinturas en miniatura que fueron muy utilizadas a partir del siglo XVII para diseñar objetos como los joyeros. Estas pinturas sobre platos o cuencos de plástico revelan el universo estético, en el que Ana Navas se siente como en casa. Están poblados de cosas que rodean la vida de la artista. Creados principalmente durante la pandemia, actúan como una especie de atlas en el que fluyen los rastros recopilados de nuestro mundo material. Reúnen diferentes temporalidades en una escena que integra no solo el pasado sino también el futuro de los objetos, allanando una forma única de conectar el arte y la vida.
Luisa Heese
Zigzag & other Ws
The desire to combine art and life has had a continuous tradition at least since classical modernism. It was particularly cultivated by the post-war avant-garde: In the 1960s, the idea of the open work of art established itself in the sense of activating the viewer and completing the work by involving the audience in media art and happenings. Joseph Beuys developed the idea of social sculpture at that time to create a space in which participation could take place. At the turn of the millennium, this idea of integrating art and life was taken further by the principle of “relational aesthetics”.
The works of Ana Navas set the framework in which the connection of art and life can be thought even further. In her work, she does not start from the idea of the original work of art but explores the constant transformations of aesthetic ideas, forms, and images. Art and life meet not primarily in the completion of the work through the involvement of the viewer, but in the afterlife of artworks – through appropriation and translation of the formal and visual languages that permeate our daily lives. Navas observes these transformations, seizes upon them, and ultimately engages in them herself. She points out the cannibalism of images and forms, the incorporation and recomposition of aesthetic signs from the reservoir of modernity. Thus, in her aesthetic universe, mass-produced household goods meet hand-formed objects, modernist formal vocabulary meets mundane materials, DIY techniques meet oil painting. By bringing these different dimensions together, she questions the relationship between art and everyday life, design, and sculpture, and even between original and copy in a way that is both precise and humorous.
The work Una fuente iluminada por luces de colores (A fountain illuminated with colored lights) is reminiscent not only of the colorful fountain named in the title, but also of a female sex organ – or maybe even a spiritually exaggerated cult object. The visual forms that cover the fabric, in turn, pave the way to European modernism, as they make direct reference to the iconic visual language of Sonia Delaunay: Not only did she cover canvases with her signature colorful circles, but even then, she transferred them to fashion and furniture. For the work, Ana Navas used an industrially produced fabric on which a pattern in Delaunay’s style is printed and imitated this very pattern through painterly interventions directly on fabric – a copy of the copy. The use of the artist’s hand here is thus not to be understood in the sense of the painterly genius often attributed to the hand of artists, but rather as another act of translation: the return of forms to the materiality in which they were once developed. The artist herself described this process as follows: “The sequence of this is described in my notes as: manual work / industrial imitation of the first / manual work of my authorship imitating the second.”
These objects, presented on the wall, are both near and far from us – they offer points of connection for our collective memory and at the same time refuse to be classified into categories. They are simultaneously things, paintings, installations, traces, and beings, in which spheres overlap, meanings and contexts entwine and constantly change in contemplation. They show the artist’s play with references, with materials, with mimicry and transformation, and also with utility: the objects not only bring contexts together but are also variously applicable. The textiles are based on objects that, if they were not hanging on the wall, they could completely cover like a costume and thus become wrappings.
Another group of works includes pieces such as El camino del taller al parque (The way from the workshop to the park), which are reminiscent of miniature paintings that were widely used from the 17th century onwards to design objects such as jewelry boxes. These paintings on plastic plates or bowls reveal the aesthetic universe, in which Ana Navas feels at home. They are populated with things that surround the artist’s life. Primarily created during the pandemic, they act as a kind of atlas into which the collected traces of our material world flow. They bring together different temporalities in one scene that integrates not only pasts but also futures of objects – paving a very unique way to connect art and life.
Luisa Heese